Begegnung mit Kunst bei Aesculap

Vogelbaum

2005
Mischtechnik
196 x 57 cm

Michael Plaetschkes „Vogelbaum“ im Foyer des Aesculapiums steht stellvertretend für seine künstlerische Arbeit, in der unterschiedlichste inhaltliche und formale Ansätze zusammenfinden. Immer sind es Erinnerungen an Erlebtes. So der einzeln stehende Baum in der Landschaft, mit vielen Vögeln besetzt, die sich plötzlich unerwartet und alle gleichzeitig in die Lüfte erheben. Felix Muhle schreibt: „Vögel und Baum verbinden Erde und Himmel sinnbildlich miteinander, stehen für Verwurzelung und Freiheit.“

Pente Côte

1995
Acryllasuren auf Putz
Treppenhaus Aesculapium

Platinos künstlerisches Werk steht für die konsequente prozessorientierte Verbindung von Malerei, Bildhauerei, Fotografie und Installation. Seine Arbeiten „besetzen“ öffentliche wie private Räume. Kunststaatssekretärin Petra Olschowski schreibt: „Platinos Spaces sind gleichermaßen Kunstwerke, privater Lebensraum, Atelier, Labor und Ausstellungsort. Sie stellen die Strukturen, Regelwerke und Funktionsweisen der Kunst ebenso in Frage wie die White Cubes... Die Grenzen zwischen privat und öffentlich, Kunst und Leben, System und Zufall werden dabei immer wieder aufs Neue ausgelotet.“

Im Treppenaufgang der Aesculap-Akademie schuf Platino mit „Pente Côte“ ein eindrucksvolles Wandgemälde, das farblich aus dem Vollen schöpft und ein sinnliches Erlebnis bereitet.

Herz

1999
Holz
ca. 230 x 90 x 55 cm

In der Sammlung Aesculap befindet sich eine Holzskulptur des Künstlers mit dem Titel „Herz“. Das Herz ist bei allen höheren Lebewesen das wichtigste Organ. Mit Hilfe des Herzens wird Blut durch den Körper gepumpt. Ohne Herz und Blut ist kein Leben möglich. Das Herz, das Zentrum des menschlichen Körpers und der „Sitz der Seele“, ist also das Zeichen schlechthin für die physische und psychische Kraft, die allem Sein zugrunde liegt.

Es kommt ein Schiff geladen

2013
Bronze
ca. 60 x 110 x 55 cm

Schiffe sind seit Urzeiten Transportmittel und gleichzeitig mythologisch aufgeladene Symbole. Ihre Verwendung reicht von der Sonnenbarke der ägyptischen Glaubenswelt, die den Sonnengott am Tag über den Himmelsbogen und bei Nacht durch das Wasser der Unterwelt führte über das Totenschiff in der griechischen Mythologie, das die Seelen der Verstorbenen über den Totenfluss ins Jenseits befördert, bis zur Arche Noah des Alten Testaments, die Mensch und Tier vor der bevorstehenden Sintflut rettet.

Schiffe stehen stets für Aufbruch, Reise und Ankunft. Häufig werden sie mit Sehnsucht und Hoffnung assoziiert. Aktuell stehen Schiffe und Boote – wie schon oft in der Geschichte – für das Schicksal von Flüchtlingen, die das eigene Land, in dem Not und Krieg herrschen, verlassen, um zu „neuen Ufern zu gelangen“, Zuflucht zu finden an Orten, die Sicherheit, Frieden und Wohlstand versprechen. Dass damit auch auf allen Seiten Missverständnisse verbunden sind, versteht sich von selbst.

Guido Wolf schreibt: „Die Arbeit ‚Es kommt ein Schiff geladen’ stellt Fragen. Nach Solidarität und Humanität. Nach den Reisezielen des globalen Miteinanders. Nach der Bereitschaft, unser vernetztes Dasein tatsächlich als Schicksalsgemeinschaft zu verstehen.“

13/89

1989
Edelstahl
1350 x 950 x 200 cm

Sein bildhauerisches Werk, mit dem ihm großer Erfolg beschieden war und das ihn zu einem der bedeutenden deutschen Bildhauer der Nachkriegszeit macht, besteht ausschließlich aus Edelstahl. Früh beschloss Erich Hauser, das Figürliche zugunsten der Abstraktion zurückzudrängen. Den Anstoß dazu mag ihm etwa Ende der Fünfziger Jahre die Begegnung mit junger amerikanischer Kunst gegeben haben. Sein besonderes Interesse galt der Materialoberfläche. Sicherlich auch durch informelle Arbeiten malender Zeitgenossen stimuliert, überarbeitete er in den Anfangsjahren die Metallplatten, aus denen er seine Kunstwerke zusammengesetzt hat, schweißte raue Strukturen darauf und gab ihnen einen vergleichsweise groben Ausdruck, der die Aufbrüche und das Zersplitterte noch verstärkte. Von diesen aufgesetzten Verfremdungen kehrte der stets perfektionistisch arbeitende Künstler schließlich ab. Bei seinen späteren Plastiken – den geschlossenen wie prismatischen – achtete er stattdessen auf möglichst glatt polierte Oberflächen und straffe Spannungen. Die damit zusammenhängenden individuellen künstlerischen Ausdrucksmittel machen sein Werk unverwechselbar. Seit Ende der 1960er Jahre wachsen die Plastiken Erich Hausers, im Kontext der Bestimmung der Kunstwerke für den öffentlichen Raum, stetig in die Höhe.

Bodenfrucht 2006/25 + 26

2006
Corten-Stahl
ca. 90 x 120 x 65 cm und ca. 55 x 95 x 100 cm

Jörg Bachs Arbeiten sind aus Stahlblech gefertigt: freistehende Plastiken und Wandobjekte, das eine Mal naturbelassen, das andere Mal lackiert oder auch aus poliertem Edelstahl. Alle sind sie in sich verschlungen, weisen Knoten auf, die sich aber auch wieder aufzulösen erscheinen. Auf diese Weise wird schweres Eisenmaterial optisch leicht. Die Werke tragen Namen wie Reflektor, Bodenfrucht, Zankapfel oder Gitter.

Die beiden sogenannten „Bodenfrüchte“ ergänzen sich dialogisch. Stets geht es dem Bildhauer um die Beziehung von Innen- und Außenraum, um Verdichtung und Auflösung, um Bodenhaftung und Entfaltung, um Schwere und Leichtigkeit. All das scheint gleichzeitig zu geschehen und ist nicht voneinander zu trennen.

Tuttlingen Säule

2014
Stahl verzinkt und lackiert
ca. 1200 x 100 x 100 cm
WV 414

Adrienne Braun schreibt: „Keine Frage: Bei den Skulpturen von Jürgen Knubben geht es immer wieder um Relationen, um Proportionen und Dimensionen, um die Verjüngung von Formen. Jürgen Knubben setzt Elemente zueinander ins Verhältnis. Stapelt, schichtet, setzt aufeinander – und arbeitet sich dabei in die Höhe, dem Himmel entgegen. An sich sind Säulen lotrechte, freistehende Stützen, die Gebälk, Gewölbe, Arkaden oder zumindest eine Figur tragen. Bei Jürgen Knubben ist die Säule ihrer Funktion beraubt, existiert allein um ihrer selbst willen und thematisiert dieses In-die-Höhe-Wachsen, das Weitergehen, sich Fortsetzen... Seinen Arbeiten ist eine gesunde Portion Pragmatismus eingeschrieben, denn seine Skulpturen sind nicht fragil und schwerelos, sie simulieren nicht eine Überwindung von Schwerkraft und Konstruktionsgesetzen. Sondern sie machen vielmehr sichtbar, dass Wachstum am Boden beginnt, dass ein Fundament benötigt wird. Dass verankert sein muss, wer in die Höhe streben will. Jürgen Knubben zeigt uns mit den Mitteln der Kunst, dass es auch anders geht, dass eine realistische, angemessene und verlässliche Konstruktion uns vielleicht nicht ermöglicht, nach den Sternen zu greifen, wir ihnen damit aber doch ein gutes Stück näherkommen können.“

1-71/77

1971/1977
Edelstahl
815 x 520 x 300 cm

Sein bildhauerisches Werk, mit dem ihm großer Erfolg beschieden war und das ihn zu einem der bedeutenden deutschen Bildhauer der Nachkriegszeit macht, besteht ausschließlich aus Edelstahl. Früh beschloss Erich Hauser, das Figürliche zugunsten der Abstraktion zurückzudrängen. Den Anstoß dazu mag ihm etwa Ende der Fünfziger Jahre die Begegnung mit junger amerikanischer Kunst gegeben haben. Sein besonderes Interesse galt der Materialoberfläche. Sicherlich auch durch informelle Arbeiten malender Zeitgenossen stimuliert, überarbeitete er in den Anfangsjahren die Metallplatten, aus denen er seine Kunstwerke zusammengesetzt hat, schweißte raue Strukturen darauf und gab ihnen einen vergleichsweise groben Ausdruck, der die Aufbrüche und das Zersplitterte noch verstärkte. Von diesen aufgesetzten Verfremdungen kehrte der stets perfektionistisch arbeitende Künstler schließlich ab. Bei seinen späteren Plastiken – den geschlossenen wie prismatischen – achtete er stattdessen auf möglichst glatt polierte Oberflächen und straffe Spannungen. Die damit zusammenhängenden individuellen künstlerischen Ausdrucksmittel machen sein Werk unverwechselbar. Seit Ende der 1960er Jahre wachsen die Plastiken Erich Hausers, im Kontext der Bestimmung der Kunstwerke für den öffentlichen Raum, stetig in die Höhe.